Es lässt sich jedoch schwer leugnen, dass nicht zuletzt die Kino-Reihe ihre qualitativen Tiefpunkte hatte. Unter der Regie von William Shatner (ja genau, Mr. Kirk himfself) entstand ein Machwerk wie Star Trek V: Am Rande des Universums (1989), welches das Zitat aus der Serie Bing Bang Theory (seit 2007) durchaus verdient hat: “Star Trek V is the standard against which all badness is measured!” In meinen Augen überboten (nicht im Guten freilich) wurde dieser aber noch von Star Trek: Nemesis (2002), in dem im übrigen wie schon seit längerer Zeit die Crew von Next Generation das Ruder übernommen hatte. Nachdem die neue Serie Star Trek: Enterprise (2001-2005) schließlich aufgrund zu schlechter Quoten abgesetzt wurde, schien Gene Roddenberrys Universum zumindest auf der Leinwand und im Fernsehen erstmals Geschichte zu sein.

Bis im Jahre 2009 ein gewisses Hollywood-Wunderkind mit Namen J.J. Abrams (Lost, Mission Impossible III) samt seinem Autoren- und Produzententeam (u.a. Damon Lindelof) Star Trek einen kompletten Reboot verpasste. Der Film, welcher von einem jungen Kirk und den ersten Reisen seiner Mannschaft an der Bord der Enterprise in einer alternativen Zeitlinie erzählt, begeisterte Fans und Publikum und kann durchaus als gelungener Neustart bezeichnet werden. Star Trek: Into Darkness ist nun die Fortsetzung dieser neuen Reihe. Mit gesteigerter Erwartungshaltung begab ich mich ins Kino und befand diesen, wenn auch aus sehr vielschichtigen und komplexen Gründen, für eine regelrechte Entstellung von Gene Roddenberrys Vision. Im Folgenden, mit zahlreichen Spoilern übrigens, möchte ich in formaler Hinsicht eine etwas andere Art von Kritik darbieten.

“…to boldly…”

Nerd vs. Mainstream

Zu Beginn dieser dezenten Polemik sei ein berühmter Romulanischer Senator aus der Serie Deep Space 9 (In Pale Moonlight) in Wort und Ton paraphrasiert:

”It’s a shiiiiiiiiiit!”

“Warum?” mag der unbedarfte Kinogucker fragen, der nicht mehr als 20 Jahre seines Lebens in gesteigerter Leidenschaft für sein Trekksches Nerdiversum verbracht hat. “Warum?” mag aber auch der durchaus kennende Kenner fragen, der mehr als 20 Jahre seines Lebens in gesteigerter Leidenschaft für sein Trekksches Nerdiversum verbracht hat, mit allen nur erdenklichen qualitativen Höhen und Tiefen der filmischen und seriellen Ausprägungen.

Die Antwort?

Die Mainstreamisierung des SF-Nerdtums dank der Abrams/Lindelof-Gang, die wie die Heuschrecken über jede große, seit Jahren und Jahrzehnten bestehende Franchise jenseits der Sterne herfallen, sei es Star Trek, Alien oder demnächst Star Wars, diese gattbügeln, die Visionen darin offensichtlich nicht erkennen oder ignorieren, jede Schrulligkeit, jede möglicherweise überfordernde Idee, jede innere Glaubwürdigkeit und jeden Kern an Genialität herausnehmen und auf das massentaugliche Skelett eines austauschbaren Action-Gehopses reduzieren, das nur zufällig im jeweiligen Universum spielt. Die Abrams/Lindelof-Gang sind parasitäre Räuber, die sich am Schatz des Nerdtums laben, diesen aushöhlen um mehr Geld zu machen und sich daran ergötzen, wie clever, toll und erfolgreich ihre durch den Mainstreamisierungs-Fleischwolf gedrehten Unterhaltungsprodukte doch sind. Das breite Publikum frisst es und die Nerds fressen es auch. Yeah!

Achja, und Orci/Kurtzman als mitschreibselndes Autoren-Team sind die nachhächelnden Hyänen an der Goldkette von Michael Bay, die so nebenbei alle Transformers-Teile aufs Papier gekotzt haben…

“…go…”

Die Jump & Run-Endlosschleife

Warum ist denn nun Star Trek: Into Darkness eigentlich so furchtbar miserabel? Längere Zeit ist der Film ja garnicht miserabel, oder überhaupt nicht miserabel, wenn man auf Star Trek als Vision per se pfeift, auf Originliatät verzichten kann und sich nur unterhalten will. Spätestens nach der Hälfte der Laufzeit sollte einem aber so oder so eine Sache auffallen: jede der aufeinander folgenden Sequenzen ist exakt gleich aufgebaut, nämlich formal in der Leinwand-Variante eines übermäßig actionreichen Jump & Runs, in dem lediglich die eher irrelevante Hintergrund-Szenerie mit einem fast austauschbaren Figuren-Set wechselt, dabei die Errettung immer in der allerletzten Sekunde erfolgt und dazu werden natürlich die genau passend-witzigen Sprüchlein präsentiert. Sei es ein explodierender Vulkan auf einem fremden Planeten, ein Schlachtfest mit Klingonen auf Kronos, ein Torpedo mit tickender Zeitbombe auf einem Mond, ein Trümmerfeld zwischen zwei Schiffen in der erdnahen Umlaufbahn, eine Prügelei auf einem schwebenden Fahrzeug über der Skyline von San Francisco: it’s all but the same (shit).

Dies ist im Übrigen die absolute Antithese zu jenem Rythmus, dem Star Trek selbst in seinen actionreicheren Ausflügen inhärent ist. Ein gewisser konzentrierter Aufbau, ja fast ein gewisses Maß an Gemächlichkeit oder zumindest längeren Phasen mit deutlich eingebremstem Erzähl-Tempo waren für diese Franchise immer wichtig.

Star Trek: Into Darkness hingegen wurde primär mal für coole Trailer gedreht mit passenden Action-Szenen, lustigen Onelinern, einer halbnackten Frau und einem bösen Bösewicht mit bösen Onelinern. Alles schnell geschnitten auf den empfänglichen Geek und das restliche, weltliche Gefolge einprasselnd. Als Konzept-Schablone für den eigentlichen Kinofilm wurden erstmals die einzelnen Action-Szenen geplant, dann die Dialoge irgendwie reingewurschtelt und alles mit einer Handlung nach Schema F verknüpft. Und ach wie clever dabei nicht diese vielen, tollen Anspielungen an die vorangegangenen Star Trek-Filme und TOS sind! Da haben sich die Autoren ja wirklich mal um was bemüht und sich der alten Trekkies für ein paar Sekunden zwischendurch erbarmt. Ja, werte Geek-Minderheit, auch wir haben Der Zorn des Khan gesehen! Seht nur, wie wir die halbe Handlung davon neu verwurstet haben und wie clever wir gewisse Szenen gespiegelt haben! Applaus, bitte! Danke!

“…where…”

Regeln sind Regeln

Was Star Trek immer ganz besonders ausgezeichnet hat, war ein einheitliches Set an Regeln (die wiewohl auch gerne mal etwas gebogen wurden), wie die Welt funktioniert. Besonders eine innere Glaubwürdigket hinsichtlich eines wissenschaftlich begründbaren, höheren Konzepts hat sich durch alle Serien und Filme gezogen. Beamen, Warp-Antrieb oder auch Schiffs-Design waren nicht zufällig oder beliebig, sondern in sich schlüssig und funktional. Hinzu kommt noch ein historischer und gesellschaftspolitischer Kanon, der sich unter anderem in den Ursprüngen und Idealen der Förderation zeigte. Ganz zu schweigen von fiktionalen Sprachen wie dem Klingonisch. Star Trek: Into Darkness ist dies alles bis auf die bekannten Charaktere und ein paar Key Visuals wie der Enterprise fast komplett egal.

Beliebiges Transwarp-Beamen von Planet zu Planet? Wo sind die Schilde und Phaser-Strahlen der Schiffe? Die Enterprise in der Atmosphäre, unter Wasser? Orbitale Verteidigungssysteme der Förderation gibt’s nicht? Ein deutlich größeres Schiff als die Enterprise kann von einem Mann gesteuert werden? Wenn die Gravitations-Systeme ausfallen, dann schwebt man nicht in der Schwerelosigkeit sondern stürzt quer durch ein flippendes Labyrinth? Warum hat der Maschinenraum eigentlich die Anmutung einer Ölraffinerie und sieht auch in seiner exponentiellen Größe so garnicht nach dem aus, was die Serien und Filme über Jahrzehnte als technologisches Herzstück etabliert haben?

Warum ist dies alles der Abrams/Lindleof-Gang egal? Weil ansonsten die szenischen Überleitungen nicht schnell genug wären. Weil die High Concept-Regeln, die Star Trek über Jahrzehnte aufgestellt hat und dieses Universum stets ausgezeichnet haben, hier nicht gelten dürfen, weil sie auf dem Altar der Beliebigkeit geopfert werden um sich den diktatorischen Regeln eines überhasteten Action-Films unterzuordnen. Warum sieht der Warpkern so aus, wie er aussieht? Weil hier an eine wissenschaftliche Glaubwürdigkeit eine Rolle gespielt hat? Nein, damit Kirk am Schluss dagegen treten kann um wieder einmal das Schiff zu retten. Faul und ignorant sind sie, die Autoren, die nur noch so etwas auf diese Weise für sich zurecht schreiben und gleichzeitig auf das Schlimmste eine der bedeutensten und wichtigesten Franchises des Science Fiction-Genres kannibalisieren.

“…no man…”

Die Vier Apokalyptischen Reiter der Nerd-Kultur

Abrams/Lindleof/Orci/Kurtzman sind die vier Apokalyptischen Reiter der SF-Nerd-Kultur. Transformers, Prometheus, jetzt Star Trek und morgen Star Wars: alles massentauglich, leicht zugänglich, teils dumm wie Brot, ohne große Ideen oder Visionen dahinter, ohne Risiko, mainstreamisiert, actionüberladen, simpelst gestrickt… Die Emotionen-Sülze drübergelehrt, die Zitaten-Orgel angeworfen, Effekte reingeschissen… alles durchgeschüttelt, gerührt und fertig ist das gestriegelte Entertainment-Produkt, auf das zufrieden grinsende Studiobosse wieder im Geld baden und ihren Lakaien auf die Schultern klopfen und die Abrams/Lindleof/Orci/Kurtzman-Stümper glauben auch noch, sie hätten IRGENDETWAS geschaffen, erreicht, hervorgebracht.

Star Trek: Into Darkness ist ein Angriff der Märkte auf eine der größten Nerd-Hochburgen. Die vermeintliche Uncoolness eines Nerdiversums wird in der Substanz erodiert und durch die vermeintliche Coolness einer stakkatohaft-überhitzten Action-Reißers mit der mainstreamisierten Sience-Fiction-Attitüde eines etablierten Nerdiversum ausgehöhlt.

Star Trek ist dank der Abrams/Lindelof-Gang zur hohlen Marketing-Hülle verkommen, die einfach noch ein Weilchen weiter gemolken wird. Mit dem, worin sich dereinst die Trekkies verliebt haben, hat dies nichts mehr zu tun. Umso schlimmer eigentlich, dass dank visionsloser Ignoranten eine ganze junge Generation mit einem völlig verfälschten und entstellten Bild von Star Trek aufwachsen muss.

“…has gone before.”

Besonders in den 80ern und 90ern prägte er den Actionfilm in seiner typischen Rolle als junger Heißsporn, der immer sich selbst überwindet, allen Widrigkeiten zum Trotz das Böse besiegt und die idealisierte Frau abbekommt. Auffällig oft war er aber ebenso in Science-Fiction-Produktionen zu sehen und hat damit nicht zuletzt diesem Genre seinen Stempel aufgedrückt. Allerdings war und ist Tom Cruise nie der ganz große Schauspieler aus der allerersten Liga, auch wenn er es zwischendruch mit kontroversielleren und eher schwierigen Rollen wie in Geboren am 4. Juli (1989) oder Eyes Wide Shut (1999) versuchte. Naja, dann doch wieder der Mission Impossible-Geheimagent. Lediglich im Episoden-Drama Magnolia (1999) vermochte er es als psychisch angeknackster ‘Dating-Motivator für Männer’ voll zu überzeugen.

Nun soll er also wieder die Welt retten, dieser Cruise, und zwar diesesmal in der endzeitlichen Science Fiction-Mär Oblivion. Als Regisseur zeichnet sich Joseph Kosinski aus, der bereits mit Tron: Legacy (2o1o) bewiesen hat, dass er eine stlisicher-ästhetische Bildsprache annähernd meisterhaft beherrscht. Die Handlung basiert auf einer unveröffentlichen (!) Graphic Novel, an der Kosinski als Autor mitgeschrieben hat. Logisch, dass er ebenso am Drehbuch beteiligt war, welches das Hauptproblem von Oblivion darstellt…

“If you’re looking for the truth, that’s where you’ll find it.”

This is the future and the future ain’t bright

Die Menschheit hat den Krieg gegen eine Alien-Invasion gewonnen, aber der Preis war hoch: die Erde ist nach dem nuklearen Holocaust, Erdbeben und Tsunamis zu einem gigantischen, unbewohnbaren Ödland geworden. Der Jupiter-Mond Titan ist die neue Heimat für die Überlebenden. Da dort die Ressource Wasser aber knapp ist, werden in großen Förderanlagen die Ozeane ausgeschöpft.

Jack Harper (Tom Cruise) und Vica (Andrea Riseborough) sind die letzten beiden Menschen auf der Erde, die für die Überwachung der Anlagen und die Wartung der Verteidigungsdrohnen verantwortlich sind. Die Kommandozentrale für das Team befindet sich in der Raumstation Tet, die in der Umlaufbahn schwebt.

Mysteriöse Vorfälle häufen sich und es scheint, als wollen die versprengten Aliens auf der Erde mit Jack in Kontakt treten…

“Is it possible to miss a place you’ve never been? To mourn a time you never lived?”

Wunderschöne Endzeit

Oblivion beginnt durchaus überzeugend. Vor allem die so perfekt animierten wie ästhetisch beeindruckenden Schauwerte, die speziell im ersten Drittel dominieren, sind das Kino-Ticket schon wert. Besonders das zerstörte New York und die endlos weiten Landschaften (hauptsächlich in Island gedreht und mit reinkopierten Computermodellen versehen) lassen zumindest ein leises Staunen aufkommen. Dabei wird mit der bedrückenden und verlorenen Atmosphäre der Ton des Endzeit-Genres sehr gut getroffen. Auch das ausgezeichnete Produktions-Design hinsichtlich der Transport-Vehikel, Architektur, Waffen und Kostüme muss erwähnt werden. Die Concept Artists haben sich offenbar mit viel Freude und stilsicherem Können die Finger wund gezeichnet.

In Oblivions besten Momenten wird der Geist der klassischen Science Fiction der 70er Jahre beschworen, der damals besonders in Kurzgeschichten oder in Filmen wie Silent Running (1972) oder Logan’s Run (1976) seine Höhepunkte fand.

“Please don’t tell me it was a classic.”

Holprige und ausgetretene Story-Pfade…

Oblivions eigentlich Schwäche ist allerdings die Handlung. Was erst noch spannend und interessant wirkt, erweist sich mit dem zunehmenden Fortschreiten der Exposition und der Dramaturgie als überkomplex, sperrig und auch in der inneren Logik nicht immer ganz nachvollziehbar und glaubwürdig. Manche Twists sind eher bemüht als überraschend, manche mögliche Vorhersehbarkeiten mehren sich.

Als Kenner des SF-Genres bemerkt man zudem früher oder später, dass hier diverse Versatzstücke, auffällig betont mit diversen Anspielungen, zusammengetragen wurden. Konsequent runtergebrochen ist Oblivion nämlich das cineastische Destillat aus Moon (2009) , 2001 – A Space Odyssey (1968) samt Independence Day (1996) und einer Prise Mad Max (1979). Screamers (1995) schwingt auch noch ein bisschen mit. Wer das Computerspiel Portal (2007) kennt, wird auch das eine oder andere Aha-Erlebnis haben. Nichtkennern wird dies aber egal sein und man muss auch sagen, dass die Mixtur nicht zu auffällig oder gänzlich ungelungen wirkt. Dennoch, etwas mehr Orginalität von Joseph Kosinski vor allem hinsichtlich des Finales, wäre durchaus wünschenswert gewesen.

“This is Jack Harper. I’m good to go.”

Der Tom und die Frauen…

Ein schwächelndes Drehbuch hat auch schwächelnde Figuren zur Folge und dies trifft nicht zuletzt auf Tom Cruise in seiner Rolle des Jack Harper selbst zu. Da keine echte Entwicklung stattfindet, er in seiner Motivation nicht gänzlich nachvollziehbar wirkt und fast ohne Vergangenheit auskommen muss, fehlt die emotionale Bindung zum Zuschauer. So folgen wir mehr einem neutralisierten Action-Vehikel, das irgendwann nur noch einem bekannten Story-Schema folgt, als einem tatsächlich greifbaren Helden, der sichtlich um sein Überleben und seine Identität ringt. Tom Cruise ist leider auch nicht der Schauspieler, der diese inhaltlichen Mängel mit Tiefe und Können in der Performance ausbügeln könnte. Zu sehr ist er wieder Tom Cruise als Tom Cruise, zu sehr beweist er wieder seine Anti-Ambivalenz, zu eindeutig ist wieder sein Weltenretter-Image.

Klar an die Wand gespielt wird er zudem von den beiden weiblichen Haupt-Protagonistinnen: Andrea Riseborough und Olga Kurylenko, die in Oblivion die eigentlichen darstellerischen Highlights ausmachen. Dumm nur, dass dadurch Tom Cruise noch blasser und uninteressanter wirkt. Oscar-Preisträger Morgan Freeman taucht schließlich auf, aber naja…

“Dream of us. ”

 Es sollten drei weitere Fortsetzungen folgen, deren Qualität allerdings deutlich variierte. In den Augen des geneigten Kritkers war von äußerst gelungen (Stirb langsam: Jetzt erst recht, 1995) über gehoben-durchschnittlich (Stirb langsam 2, 1990) bis hin zu überzogen-schlecht (Stirb langsam 4.0, 2007) alles dabei.

 2013 mimt Bruce Willis also wieder den sichtlich gealterten und sichtlich haarloseren John McClane. Diesmal ist es John Moore im Regiestuhl, der allerdings mit dem Remake von Das Omen (2006) und der Computerspiele-Verfilmung Max Payne (2008) eher unterdurchschnittliches und wenig erwähnenswertes ablieferte. Tja, das sollte schon einmal ein ganz gutes Indiz für den nunmehrig fünften Stirb Langsam-Teil sein…

”Killing bad guys! That’s your thing!”

Moskau, Moskau…

John McClane (Bruce Willis) begibt sich nach Moskau, um seinen seit langer Zeit verschollenen Sohn ausfindig zu machen. John ‘Jack’ McClane Jr. (Jai Courtney) agiert dort im Auftrag des CIA (‘spy shit’) um den Terroristen Komarov (Sebastian Koch) für den Austausch von geheimen Informationen, die gleichzeitig eine Bedrohung für einen hochrangigen Politiker der russischen Regierung darstellen, außer Landes zu schaffen. Vater und Sohn geraten unter diesen spannungsreichen Prämissen natürlich in eine leichen- und actionreiche Tour de Force…

”You got a plan?”

Die alte Leier…

Es war ja durchaus zu erwarten und es hätte vermutlich noch belangloser ausfallen können, aber Stirb Langsam – Ein guter Tag zum Sterben ist vor allem eines: dieselbe alte Leier aller vergleichbaren Action-Reißern der Vergangenheit bis heute. Haben sich die Vorgänger teils noch um neue Ideen, gelungene Humor-Einlagen, interessante Antagonisten oder noch sadistischere Quläreien für die Hauptfigur des John McClane bemüht, so fällt dies alles im fünften Teil fast komplett weg. Action, Handlung, Dramaturgie: alles läuft nach einem reichlich bekannten Schema ab.

Zugegeben, hie und da funktioniert der Film durchaus. Einige Stunt- und Action-Szenen sind durchaus nett anzusehen. Ein paar gut getimte One-liner sorgen für ein Grinsen. Erfreulich auch, dass die Action-Sequenzen nicht so hoffnungslos überzogen sind wie im vierten Auswurf. Ja, ein paar nette Anspielungen an vorangegangene Teile erkennt der Kenner wieder. Aber trotz einiger positiver Elemente bleibt am Ende so gut wie nichts über, was einem wirklich im Gedächtnis verhaften würde oder auch nur ein wenig in Begeisterung verweilen ließe.

”Me and my boy here, we’re gonna put a whuppin’ on ya!”

Langweilige Figuren und schwächelnde Mimen…

Bruce Willis hat offenkundig ein wenig die Lust am Spiel verloren, zumindest was ‘seinen’ McClane betrifft. Zu oft blickt er so müde wie unmotiviert in die Kamera. Zu selten lässt er seinen alten Charme und Witz aufblitzen (auch schwer bei dem Drehbuch). Dumm nur, dass sein Sohnemann alias Jai Courtney noch weniger zu bieten hat. Er bleibt durchgehend erstaunlich blass und kann nur selten überzeugen, wenn auch die Grundprämisse, dass der Nachwuchs mit dem Erzeuger fast ebenbürtig ist und ähnlich viel rummetzeln darf, ein durchaus interessanter Ansatz ist. Leider will die Dynamik zwischen den beiden aber so gar nicht funktionieren, wo doch gerade dieses Element in dieser Figurenkonstellation so besonders wichtig gewesen wäre. Das hat mit Samuel L. Jackson (Pulp Fiction, Django Unchained) im dritten Teil nach dem Buddy/Sidekick-Prinzip deutlich besser geklappt.

Bisher hatte die Stirb Langsam-Reihe meist interessante bis faszinierende Antagonisten zu bieten, allen voran das böse deutsche Brüderpaar dargestellt von Alan Rickman (Robin Hood – König der Diebe, Harry Potter) und Jeremy Irons (Der König der Löwen, Lolita), aber im fünften Auswurf vermag es der deutsche Charakter-Schauspieler Sebastian Koch (Das Leben der Anderen, Stauffenberg) nicht wirklich eine besondere Perfidie auf der Leinwand zu entwickeln. Zu oft wirkt er deplatziert oder gar überfordert in der Rolle des Terroristen Kamarov.

”Need a hug?”

Das mangelnde Leid…

Als partieller Freund der Stirb Langsam-Reihe ist es aber vor allem ein Aspekt, der mir eher ungut an diesem, vorläufig letzten Auswurf aufgefallen ist: Bruce Willis als John McClane leidet zu wenig. Ja, es überschlägt ihn zwar mehrfach in mehr als einem Fahrzeug, aber in der Folge hustet er einmal, humpelt zwei Meter und hat genau einen Riss in der Hose. Immerhin nach mehreren Schuss-Wechseln blutet er sichtlich, aber es sollte doch mehr rote Farbe sein, die seine Kleidung tränkt. Und schließlich, nach dem Finale, stöhnt er zwar ein wenig vor sich hin und liegt etwas länger auf dem Boden, aber sonst?

Nein, dies ist nicht der John McClane, der barfuß durch Glassplitter läuft, als blutendes Häuflein Elend im Schnee liegt oder mit ungezählten Verletzungen noch immer vorwärts kriecht, stöhnend und fluchend den nächsten Bösewicht um nietet. Und wo verdammt ist ”Yippie Yah Yei Schweinebacke!” geblieben?

McClane war stets die Verkörperung des gequälten, leidenden und gebrochenen Helden, der aber immer blutüberstromt seine eigene Physis überwindet um den Feind wider allen Erwartungen dennoch zu schlagen. Jede Leiche auf seinem Weg hat zumindest ein Mal der Pänetration mehr auf seinem Leib bedeutet und auch wenn die Selbstaufgabe so verlockend wie erlösend erschien, er hat dennoch weiter gekämpft. Etwas untypisch zu vergleichbaren Action-Figuren war McClane nie ein moralisch einwandfreier, unverletzlicher oder durch höhere Ideale motivierter Held. Er hat nie in einem Auftrag gehandelt, er suchte die Gefahr nie. Zwang und Zufall sind einzig relevant für sein Handeln. McClane war immer der gebrochene Held wider Willen, stets am Boden und dennoch triumphal. Denn der Erlöser muss immer zuerst leiden, eher er die Welt erretten kann.

Tja, mit Teil 4 und 5 ist dieses Prinzip definitiv aber ordentlich verwässert worden…

”Hang on, John!”

“They think we’re all gonna drown down here. But we ain’t going nowhere.”

Hushpuppy in the Bathtub

Die kleine Hushpuppy lebt mit ihrem Vater in einer heruntergekommenen Siedlung namens ‘Bathtub’. Seltsam rauhe Erziehungsmethoden, schrullige, versoffene Charaktere, Schmutz und Ekel zeichnen das Bild von einer Welt, von deren Existenz wir nichts wissen.

Obwohl er versucht, es geheim zu halten, erkennt Hushpuppy, dass ihr Vater schwer krank zu sein scheint. Als ein großer Sturm aufzieht und den Bewohnern über Nacht Häuser, Hab und Gut flutet, müssen die Menschen der ‘Bathtub’ Initiative ergreifen, um das Wasser wieder sinken zu lassen und ihre Heimat vom Grund des Bodens zurückzuholen. Währenddessen treiben eingefrorene Auerochsen aus längst vergangener Zeit auf die Siedlung zu, denen sich Hushpuppy unweigerlich zu stellen hat.

“Strong animals know when your hearts are weak.”

Poesie und Ästhetik

Es ist mehr als deutlich, dass die urtümlichen Auerochsen das ultimative Finale für Hushpuppys Entwicklung darstellen, denn gerade die fantastisch-poetischen Elemente machen Beasts of the Southern Wild aus. Die Hindernisse und Strömungen bilden einen großen Entwicklungsprozess für das kleine Mädchen, allerdings fallen dabei immer wieder Szenen aus dem Gesamtkontext, die sich nicht mit der inhaltlichen Qualität einiger anderen messen können. Dass wir stets dicht dran sind und die Bilder der Geschichte gut zuspielen, macht nicht wett, dass die visuelle Ästhetik teilweise sehr aus ruckeligen Bildern und zuviel Fokus auf unwesentliche Details besteht.

Nicht alle Taten und Geschehnisse sind so schwer an Bedeutung, wie sie es gerne wären und fallweise kippt man dadurch aus der Intensität des Films heraus. Gerade die parallel erzählte Reise der Auerochsen verpufft am Ende in störende Bedeutungslosigkeit. Allerdings sollte man stets bedenken, dass es sich hierbei um einen Indie-Film handelt und bei diesen sei es teils durchaus erlaubt, nicht ganz ‘rund’ zu funktionieren.

“Sometimes you can break something so bad, that it can’t get put back together.”

Neue Welt aus naiver Sicht

Wir sind in dieser Welt, die wir weder kennen, noch verstehen. Wir sehen sie aus einem Blickwinkel, den wir längst vergessen haben. Doch das macht Beasts of the Southern Wild so interessant. Und es schafft Raum für Momente, die so außergewöhnlich und anrührend sind, dass wir sie auch nach dem Abspann noch länger mit uns tragen. Die Beziehung zwischen Hushpuppy und ihrem Vater und der eigentliche Grund für ihre Reise lässt einen bewegt mitfühlen. Getrieben von fabelhaften Leistungen der beiden Hauptakteure und einem oscarreifen Score, wird Benh Zeitlins Debut sicherlich ein zeitlos gefeiertes Filmjuwel. Dazu kommt ein kosmisch-spiritueller Kontext, der, wenn auch teilweise zu dick angerührt, im Endeffekt doch überzeugt.

Soviel ist gewiss: die angekündigten Oscarnominierungen gibt es mit großer Sicherheit. Und wenn es nur die Musik ist, die sich mit Hollywoods Meistern messen darf, so verdient dieses Werk eine größtmögliche Aufmerksamkeit in aller Welt.

“My only purpose in life is to teach her how to make it.”

Tolkien hat vor Der Herr der Ringe (erstmals veröffentlicht in drei Bänden 1954/1955) allerdings noch Der kleine Hobbit verfasst. Diese ursprünglich als Kinderbuch konzipierte Geschichte erschien bereits 1937 und kann praktisch als Prequel zu Der Herr der Ringe gesehen werden. Genug Stoff also für eine weitere filmische Erzählung aus Mittelerde und demnach musste in der Logik der Hollywood-Studios eine neu konzipierter Blockbuster-Mehrteiler folgen. Als der Regisseur Guillermo del Toro, bekannt von Pan’s Labyrinth oder Hellboy, 2008 zum Projekt dazu stieß, war die Vorproduktion bereits im Gange. Aufgrund diverser Verzögerungen und Probleme sollte es aber schließlich wieder Peter Jackson sein, der das Ruder übernahm. Erst kürzlich hatte nun der erste Teil der neuen Fantasy-Trilogie unter dem deutschen Titel Der Hobbit – Eine unerwartete Reise seine Premiere und meine Person als begeisterter Liebhaber (aka Nerd) von Tolkiens Meisterwerk(en) und recht großer Fan der vorangegangenen Film-Trilogie freute sich mit leichten Skeptizismus auf die Rückkehr nach Mittelerde…

“Bilbo Baggins, I’m looking for someone to share in an adventure…”

Eine Drachen-Queste mit Zwerge

Bilbo Beutlin lebt ein geruhsames Leben in seiner gemütlichen Behausung im Auenland, bis eines Tages der Zauberer Gandalf an seiner Tür erscheint. Er sieht in dem kleinen Hobbit einen bedeutenden Weggefährten für ein abenteuerliches Unternehmen. 12 Zwerge tauchen alsbald auf, von denen einer ihr Anführer mit Namen Thorin Eichenschild ist, der sein Erbrecht eines einst mächtigen Königreichs, das im Einsamen Berg liegt, zurückerobern will. Der schreckliche Feuerdrache Smaug hat dereinst diesen Hort und den Schatz darin geraubt. Anfangs sträubt sich Bilbo noch gegen eine Beteiligung, aber schließlich bricht er an der Seite der Gemeinschaft gen Osten auf. Und sollte wahrlich ein großes Abenteuer mit vielen gefährlichen und wundersamen Begegnungen werden…

“A dark power has found a way back into the world.“

Die schizophrene Überladenheit eines erzwungenen Fantasy-Epos

Zur Verfilmung von Der kleine Hobbit sollte man erstmals wissen, dass das Buch um so einige hundert Seiten kürzer ist, als Der Herr der Ringe. Aber dennoch bekommen wir hier erneut eine Film-Trilogie präsentiert, wovon der erste Teil bereits 140 Minuten lang ist. Dies nährte bereits im Vorfeld den Verdacht, dass die Story etwas aufgeblasen werden könnte. Allerdings findet man in der Kino-Adaption zusätzliche Elemente, die sehr wohl in Anhängen oder anderen Texten aus dem Mittelerde-Universum erwähnt sind. Dennoch, Der Hobbit – Eine unerwartete Reise lässt sich merklich Zeit beim Erzählen, was ich allerdings zumindest anfangs als sehr positiv empfunden habe. Dadurch bekommen die Figuren mehr Zeit sich zu entwickeln, können besser ausformuliert werden und ebenso ist mehr Raum für Details und die Intensivierung der Atmosphäre.

Tatsächlich habe ich mich die erste halbe Stunde bestens unterhalten gefühlt. Im Ton merklich humorvoller und weniger düster als Der Herr der Ringe, aber durchaus mit dramatischen Intermezzos (unter anderem in der ersten, hervorragenden Rückblende) entwickelt Der Hobbit zunehmend eine märchenhafte Intensität, die einen durchaus gefangen nimmt.

Schließlich folgt aber eine erste Sequenz, in der der Film zu kippen beginnt und man zum ersten Mal den sich fortsetzenden etwas geschmacklosen Brachial-Humor auf einem dezent unteren Niveau präsentiert bekommt. Vielleicht können andere Kinogeher mit dieser Art von Witzen und Plattitüden, vor allem in Kontrast zum Bemühen um innere Glaubwürdigkeit und eine gewisse ironiebefreite Ernsthaftigkeit des Fantasy-Settings, sich durchaus anfreunden und da Der kleine Hobbit auch einstmals als Kinderbuch konzipiert war, ist dies durchaus akzeptabel bis zu einem gewissen Grad, aber für mich waren gewisse Szenen im Fortlauf und besonders eine Figur fast unerträglicher Quatsch.

Der Film ist regelrecht schizophren, pendelt immer wieder zwischen Genialität und Dummsinn, zwischen atmosphärischer Intensität und kindlicher Leichtigkeit, zwischen brutalen Schlachtengemälden und Klamauk-Gemetzeln, zwischen dramatischen Verfolgungsjagden und lächerlichen Stunt-Einlagen, zwischen glaubwürdiger Figurenzeichnung und banalen Cartoon-Charakteren.

Dies alles wird mit einer zunehmend größer werdenden Überladenheit präsentiert. Der Film ertrinkt phasenweise in epischem Kitsch, wofür besonders die Vielzahl an Szenen vor unter- oder aufgehender Sonne bezeichnend ist. Alles wirkt zumindest einen Tick zu aufgeblasen, nicht zuletzt, weil die Handlung an vielen Stellen schließlich bewusst zerdehnt ist und sich merkliche Längen ins Geschehen einschleichen. Dezent zuviel, weil phasenweise aufdringlich, ist auch die permanente musikalische Untermalung. Ohne Zweifel hören wir hier einen in weiten Teilen äußerst gelungenen Soundtrack, aber hier wäre, wie bei so vielen anderen Aspekten von Der Hobbit, weniger eindeutig mehr gewesen.

“Home is now behind you. The world is ahead.“

Der triumphale Zwiespalt der Technik

Peter Jackson hat mit Der Hobbit zum ersten Mal auf eine ganz besondere Technologie gesetzt. Nicht nur ist der Film komplett digital in HD abgefilmt und zudem für 3D konzipiert, nein, erstmals bekommen wir hier auch statt der sonst üblichen 24 Bilder pro Sekunde das Doppelte, nämlich 48, präsentiert. Die gestochen scharfe Visualisierung erweist sich für mich sowohl als Vor- als auch als Nachteil.

Der Look ist insgesamt nämlich extrem artifiziell. Selbst ‚einfache‘ Landschaftsaufnahmen wirken wie aus dem Computer oder Modelltricks, nicht zuletzt aufgrund eines seltsamen Farbstichs im Grün und einem fast permanenten Leucht-Effekt bei Aufnahmen im Tageslicht. Umgekehrt merkt man nun den Kulissen umso mehr an, dass sie bloße Kulissen sind. Da die Unschärfe fehlt, sind die digitalen Kreaturen auch ganz eindeutig als Schöpfungen aus dem Rechner zu erkennen (lediglich Gollum bildet hierbei eine gewisse Ausnahme), womit der Eindruck entsteht, man betrachte gerade ein Computerspiel mit toller Grafik.

Für mich geht diese neuartige Visualisierung im Kontext der märchenhaften Erzählung durchaus in Ordnung, trägt sogar etwas zu einer eigenwilligen Atmosphäre bei, aber ich verstehe durchaus, dass dies von vielen als sehr kontrovers aufgefasst wird.

Allerdings sei auch gesagt, das längst nicht alle Kinos den Film mit 48 frames per second zeigen (einfach weil sie nicht mit entsprechenden Projektoren ausgestattet sind bzw. die Verleih-Firma hat auch viele Versionen mit normaler Frame-Rate ausgeliefert), daher kommt man als Kinobesucher eventuell nicht diese offenbar etwas unausgereifte technologische Weiterentwicklung des Mediums zu sehen.

Routiniertes Spiel und perfekte Neuzugänge

Wenn Der Hobbit in einem Aspekt wirklich zu überzeugen weiß, so ist es das hervorragende Darsteller-Ensemble, wovon ein Gutteil bereits in Herr der Ringe zu sehen war. Ian McKellen mimt erneut die perfekte Interpretation von Gandalf. Hugo Weaving und Cate Blanchett kommen in eher kürzeren Auftritten wieder als edle Elfen vor. Christopher Lee als Saruman wirkt trotz digitaler Verjüngung allerdings schon etwas sehr alt und gebrechlich.

Ein wahrer Triumph ist ohne Zweifel Andy Serkis als Gollum, der mit Martin Freeman als formidabler Bilbo Beutlin die wohl mit Abstand beste Szene im Film hat. Freeman, der besonders in der Mini-Serie Sherlock große Erfolge feiert, kann wohl als Idealbesetzung in der Hauptrolle des kleinen Hobbit bezeichnet werden. Beeindruckt hat mich auch Richard Armitage in der Verkörperung des Zwerges Thorin Eichenschild, auch wenn er merklich als ein ‚Ersatz-Aragorn‘ besetzt wurde.

“So this is the Hobbit!”

Erwähnenswert ist zu diesem Zeitpunkt noch, dass der auf Stephenie Meyers Roman-Reihe basierenden Film mit einem Budget von 120 Millionen Dollar am ersten Wochenende bereits 340 Millionen eingespielt hat und damit den erfolgreichsten Blockbuster-Start außerhalb der Sommer-Saison hingelegt hat. Wobei dies nicht gänzlich unerwartet war freilich.

Etwas unerwartet für mich ist allerdings die Tatsache, dass Breaking Dawn – Teil 2 die qualitativen Untiefen der Vorgänger doch nicht zur Gänze erreicht hat und somit nicht das Schlimmste ist, was das Kinojahr 2012 hervorgebracht hat…

“This is a crime.“

Krieg der Vampire

Bella ist zum Blutsauger geworden. Unsterblich und mit übermenschlichen Kräften ausgestattet muss sie erst lernen, mit ihren neuen Fähigkeiten umzugehen und ihren Durst zu kontrollieren. Als erfreulichen Nebeneffekt der Transformation kann sie nun endlich den Sex mit ihrer ewigen Liebe Edward richtig genießen.

Ihr gemeinsames Kind Renesmee, das halb Mensch und halb Vampir ist, wächst wohlbehütet bei ihren Eltern unter der Vampir-Familie der Cullens auf.  Allerdings reift es ungewöhnlich schnell heran.

Als der Herrscher-Klan der Volturi davon erfährt, glauben sie eine vermeintliche Bedrohung in diesem jungen Wesen zu erkennen. Sie rufen ihre Untergebenen zu sich um mit einer Armee gegen die Cullens zu ziehen, die wiederum eigene Verbündete versammelt haben. Eine schreckliche Schlacht droht, die das Schicksal aller Vampire bestimmen wird…

“You are all fools.“

Weniger Liebe, dafür mehr Gekloppe

Wenn man sich Breaking Dawn – Teil 2 zur Gänze angetan hat, fällt einem vor allem eins auf: das bisher regelrecht zerdehnte und überbetonte Liebes-Geschwurbel  der Vorgänger-Teile spielt hier eine weit geringere Rolle. Klar, Bella und Edward dürfen auch hier wieder minutenlang in den rotbraunen Blutsauger-Äuglein der jeweils anderen Person ertrinken, klar, etwas Gefummel und Schmuserei ist immer noch drin (immer mit dem passenden Gedudel untermalt), aber den Hauptteil der Handlung nimmt einerseits das Zusammenstellen einer Vampir-Armee im Dienste der Vorzeige-Untoten der Familie Cullens ein und dann vor allem eine nicht unheftige Schlacht als großes Finale der Saga.

Letzteres hat zugegebenermaßen sogar einen gewissen Unterhaltungswert. Die verschiedenen Vampir-Klans verfügen nämlich über diverse Superhelden-Kräfte, die hier allesamt zum Einsatz kommen. Die X-Men lassen grüßen. Da wird schon mal die Erde bis zur Lavaschicht aufgebrochen, heftig rumgeblitzt oder endlose Pein mental zugefügt. Dazwischen metzeln sich die Blutsauger auf höchst effiziente Art gegenseitig nieder, nämlich durch die Kunst des Köpfens. Es spritzt zwar kein Blut, aber sonst erstaunt die explizite Darstellung, nicht zu zuletzt bei einer Altersfreigabe von 12 Jahren (!). Ein paar grummelige Werwölfe tummeln sich übrigens auch dazwischen. Dieses Schauspiel ist durchaus etwas unerwartet und will irgendwie nicht so recht zum Rest der Saga passen. Tja, natürlich gibt es dann einen recht harten Twist, der den heftigen Show-down mehr als nur relativiert. Die Enttäuschung musste ja folgen.

“Ugh, please!“

Kindergarten-Horror und Grundsatzfragen

Abgesehen davon, ist in Breaking Dawn – Teil 2 der Fokus eindeutig auf dem milden Fantasy-Horror-Setting, was vielleicht sogar etwas interessant sein könnte, wenn deren Exposition in weiten Teilen nicht  reichlich wirr und schwer nachvollziehbar vermittelt werden würde. Zudem ist die Darstellung der im Sonnenlicht strahlenden Vampire und der putzig rumtollenden Werwölfe eine derartig lächerlich verharmlosende Kindergarten-Variation ihrer mythisch-klassischen Vorbilder, sodass man sich darüber nach wie vor nur ärgern kann.

Grundsatzfrage: welchen fundamentalen Nachteil hat es ein Vampir zu sein? In Twilight offenbar keinen, denn allein von Tierblut lässt es sich glücklich leben (die ‚vegane‘ Lebensweise), mit der Unsterblichkeit wird ewige Jugend gewahrt, das Sonnenlicht erhellt nur den Teint und sonst genießt man die Vorteile übermenschlicher Kräfte und problemloser Verhütung. All die Tragik, all die Verlorenheit und all das hieraus resultierende Drama wie jenes von Bram Stokers Dracula ist hier ohne jegliche Relevanz. Umso mehr stellt sich die dringliche Frage, warum Edward seine liebe Bella nicht schon 4 Teile vorher zum Vampir gemacht hat? Es hätte beiden endlos langweiliges Herumgeeiere und Rumgequäle nicht zuletzt in Sachen Sex erspart.

“The Cullens, they’ve done something terrible.“

Zwischen den Zeilen

Über mormonische Botschaften, fast schon totalitäre Überhöhung eines Liebes-Ideals und der dezenten Proklamationen zur Unterdrückung der Frau, wie sie im letzten Teil zuvor nicht gerade undeutlich werden, will ich mich hier gar nicht weiter auslassen, aber in Breaking Dawn – Teil 2 huldigt die Autorin Stephenie Meyer einem weiteren vermeintlichen Ideal, nämlich jenem der reichen, weißen Großfamilie aus der Oberschicht, die nach moralisch einwandfreien Werten lebt. Die ‚veganen‘ Cullens entsprechen nämlich ganz und gar diesem erzkonservativen Prototypus der ‚besseren Menschen‘, die (so wie deren nahe Verwandte) natürlich teils wie Supermodels aussehen. Auffällig, dass die gute Bella erst dann zu einer gestärkten Frauenfigur wird, als sie zur Vampirin transformiert deren (Un)Lebensweise zur Gänze übernimmt.

Die ‚Cullensche Verherrlichung‘ wird umso mehr im Negativ der anderen Vampir-Klans deutlich, die sie für sich gewinnen können: klischeehafte Ausländer, meist schlecht gekleidet und stinkend, oftmals hübsch exotisch im Sinne des edlen Wilden, gerne auch unrasiert und mit einem auffälligen Faible für dunkle Farben. Manche davon sind freilich etwas treulos oder zumindest fragwürdig motiviert.

Wirkt alles ein wenig so, als würde unter dem Deckmäntelchen der Fantasy ein bedenklich idealisiertes und zugleich banal simplifizierendes Weltbild für verstockte Republikaner der ‚Tea Party‘-Bewegung zusammengestoppelt. Die Volturi wären demnach die steuergeilen Bürokraten aus Washington, aber ich will es mit Interpretationen jetzt nicht übertreiben…

“You will not change your mind, even after you see the truth!“

PS: Legenden berichten, dass Vampire und Werwölfe in vergangener Zeit wirklich coole und gemeinhin gefürchtete Monster waren. Im kalten Licht der Geschichte werden aber Historiker ohne Zweifel zur konsequenten Übereinkunft kommen, dass es Twilight war, das zu einer so radikalen wie erschreckenden Zäsur in dieser allgemein anerkannten Sichtweise führte…

Dieses großartige Setting eignet sich bestens für eine Umsetzung als actiongeladenen Genre-Film, was 1995 erstmals mit Sylvester Stallone in der Hauptrolle geschah. Äußerst aufwändig und teils durchaus spektakulär wurde Mega-City One darin in Szene gesetzt, allerdings blieb dabei vor allem die Handlung etwas auf der Strecke und der plumpe, nur allzu selbstironische Humor führte zu einem zu großen Bruch in der sonst recht stilsicheren Atmosphäre. Meine Sympathien hat Judge Dredd aber bis heute noch.

Unter dem kürzeren Titel Dredd kam nun eine Neu-Verfilmung des SF-Stoffes in die Kinos. Dieses Mal ist es Karl Urban (Der Herr der Ringe, Riddick) in der Rolle des unbarmherzigen Judges, der übrigens ganz wie in der gezeichneten Vorlage kein einziges Mal seinen Helm abnimmt. Das Budget ist nun mit knapp 50 Millionen Dollar vergleichsweise bescheiden und ganz generell herrscht nun ein dezenter Reduktionsnismus in der Inszenierung und der Produktion vor. Dennoch oder gerade deshalb haben wir es hier, in meinen Augen, mit dem vielleicht besten Genre-Film des Jahres zu tun…

“I am the law.”

Mega-Handlung

In Mega-City One ist eine neue Droge auf dem Markt: das sogenannte Slo-Mo, welches beim Konsumenten nach der Einnahme dazu führt, dass dieser das unmittelbare Geschehen auf extrem verlangsamte Weise vollkommen bewusst wahrnimmt. In einem Wolkenkratzer-Wohnkomplex verbreitet die sadistische Anführerin Ma-Ma mit ihrer Bande den Stoff.

Judge Dredd wird nach einer extrem brutalen Hinrichtung von drei Männern auf diesen Hort des Verbrechens aufmerksam. Judge Anderson, die durch Mutation über telepathische Kräfte verfügt, begleitet ihn und muss nach der Ausbildung ihren allerersten Einsatz erfolgreich absolvieren. Als die beiden Gesetzeshüter vor Ort eintreffen, lässt Ma-Ma den gesamten Komplex abschotten. Für die beiden Judges beginnt ein Kampf ums Überleben…

“Negotiation’s over. Sentence is death. Negotiation’s over. Sentence is death.”

Mega-Spaß

Es ist eigentlich erstaunlich, wie gut Dredd auf allen Ebenen funktioniert, obwohl oder gerade weil er prinzipiell eher einfach gestrickt ist und eine gewisse Zurückhaltung setzt. Hier gibt es (fast) keine großen Action-Szenen, keine Effekt-Orgien, keine überladenen visuellen Tableaus eines futuristisch-urbanen Settings, keine komplexen Verschachtelungen in der Handlung, keine allzu tiefgründige Figurenzeichnung. Es ist vielmehr ein absolut geradliniger, schneller und zynischer Film, mit teils extrem brutalen Szenen, der nie mehr sein will, als er ist und gerade das macht ihn so verdammt gut.

Dredd entwickelt schon sehr früh eine dichte, zudem überraschend realistische Atmosphäre. Die absolute Trostlosigkeit des urbanen Alptraums Mega-City One wird sowohl in gekonnten, wiewohl eher selten präsentierten Effekt-Szenen vermittelt, als auch in der Exposition einer futuristischen Welt, in der Low-Tech und High-Tech aufeinander treffen. Visuelle Höhepunkte bescheren nicht zuletzt jene Momente, in denen die Auswirkungen der Slo-Mo-Droge zu sehen sind: glasklare Superzeitlupen-Aufnahmen, die speziell in einem Feuergefecht äußerst plakativ die Auswirkungen von Schussverletzungen zeigen. Farblich und vom Tempo her ist dies natürlich ein bewusster Gegensatz zum Rest des Films. Gehäuft blitzt dabei die subtile Intelligenz in der Inszenierung auf.

Geradlinige Action bekommt man praktisch auf dem laufenden Band präsentiert. Der Bodycount in den oftmals so schnell wie langsam geschnittenen Schusswechseln ist für die beiden Judges jedenfalls sehr hoch. Dennoch bleibt zwischendurch genug Raum für gelungene Dialog-Szenen. Der Fortlauf der Handlung, welche mehr eine Episode von Judge Dredd erzählt als eine in epischen Bomabst ausuferne Geschichte, wird übrigens durchaus symbolisch im weiteren Vordringen in höhere Stockwerke des Wohnkomplexes, der als begrenzte ‚Bühne‘ des Films dient, dargestellt.

Die Charakterisierung der Judges in ihrer Motivation als ultimative Gesetzesvollstrecker, als letzte und einzige Instanz für das Recht im Chaos einer postapokalyptischen Welt, kommt in Dredd sehr gut zur Geltung, was natürlich bei dieser Comicvorlage mehr als nur wünschenswert ist. Nicht nur hier kann der Film mit innerer Glaubwürdigkeit bei gleichzeitig respektvollen Umgang mit dem Stoff eines anderen Mediums punkten.

“Rookie, you’re ready?”

Mega-Darsteller

Dredd mag vielleicht für Schauspieler nicht die Möglichkeit bieten als Oscar-Kandidaten zu glänzen, aber gerade Karl Urban als Judge Dredd gelingt es mit runtergezogenen Mundwinkeln auf ganzer Linie zu überzeugen. Seine physische, mimische und stimmliche Präsenz trägt den gesamten Film. Seine junge Begleiterin Olivia Thirlby alias Judge Anderson mag zwar nicht ganz mit der Leistung ihres Kollegen mithalten können, aber sie fügt sich als (anfangs) zerbrechliche Übersinnliche recht gut in ihre Rolle ein.

Gesondert erwähnt seien noch die beiden Gegenspieler, die übrigens beide als Serien-Stars einen gewissen Bekanntheitsgrad erreicht haben. Lena Headey als Ma-Ma, kennen viele wohl aus Game of Thrones (seit 2011) oder Terminator: The Sarah Connor Chronicles (2008-2009), wo sie ähnlich dominante Frauenfiguren verkörpern darf. In Dredd bleibt sie allerdings vielleicht ein wenig zu blass und oberflächlich. Wood Harris als ihr Untergebener Kay hat in der für mich höchstklassigen Serie The Wire (2002-2008) bereits einen Verbrecher aus der Drogenwelt dargestellt. Hier kann er leider nur kurz glänzen und ist zudem etwas zu lang zu bloßem Schweigen verdammt.

“Judgement Time.”

Über die Dekaden hinweg folgten 21 weitere Teile, von denen einige als zeitlose Klassiker gelten, andere wiederum (wohl nicht nur in meinen Augen) als eher miserabel bezeichnet werden dürfen. Aber stets waren die einzelnen Filmwerke der James Bond-Reihe vor allem dies: ein Spiegel der Popkultur, Repräsentanten der jeweiligen soziopolitischen Ära und cineastische Knotenpunkte des massentauglichen Action-Kinos. All dies mag durchaus graduell unterschiedlich präzise zum Ausdruck kommen, aber gänzlich zu ignorieren ist dieses Phänomen in seinem gesamten Kontext wohl kaum. Ein neuer Bond ist immer ein kleines filmisches, wenn nicht gar multimediales Ereignis.

Daniel Craig ist nun zum dritten Mal der ‚Neue‘. In Casino Royale (2006) wurde nach dem regelrechten Totlaufen der Franchise mit Pierce Brosnan (und dem furchtbaren Stirb an einem anderen Tag von 2002) ein Neustart gewagt. 007 erfährt, historisch wiewohl losgelöst, seine Vorgeschichte und mit Skyfall ist er wieder am Anfang angelangt.

“007 reporting for duty.”

Death and Rebirth

Der MI6 hat James Bond (Daniel Craig) und Eve (Naomie Harris) in die Türkei entsandt um ein Festplatte wiederzubeschaffen, die alle Identitäten von NATO-Agenten in terroristischen Organisationen enthält. Der Einsatz misslingt und 007 zieht es danach für einige Zeit vor von der Bildfläche zu verschwinden. Schließlich wird das Hauptgebäude des MI6 Ziel eines Anschlags. Offenbar sollte auch ‚M‘ (Judi Dench), die Chefin des Auslandsgeheimdienstes, dabei zum Opfer werden. James Bond, der nach einer Verletzung nicht gerade in Topform ist, entschließt sich zur Rückkehr um Jagd auf den Drahtzieher hinter all den Terrorakten zu machen. Nach einem Ausflug nach Shanghai soll er ihm (Javier Bardem) auch begegnen…

“England… Mi6… so old-fashioned!”

Old School is New School

Wer an James Bond bisher die überzogene Action, aberwitzige Dialoge, etwas arg verquere Bösewichte  und die gigantischen Schauplätze geliebt hat, wird wohl mit Skyfall nicht so ganz warm werden. Hier ist alles einen Gang runter geschaltet, alles etwas dezenter, zurückhaltender, subtiler. Dies betrifft sowohl die gesamte Inszenierung mit ausladenden Dialog-Szenen, als auch die angenehm unaufgeregte Kameraführung bei den Action-Sequenzen.

Freilich gibt es noch hastige Verfolgungsjagden und schnelle Schussduelle, aber die kommen (fast) ganz ohne PKWs mit Raketen unter der Kühlerhaube noch mit Laserwaffen in Armbanduhren aus. Natürlich ist alles nach wie vor einen deutlichen Tick ‚larger than life‘, sowohl was die Figuren, das Setting und überhaupt die Handlung betreffen, aber in Skyfall gelingt praktisch die Quadratur des Kreises, indem der neue, ‚realistischere‘ Bond von 2012 eine gelungene Symbiose mit dem alten, ‚traditionellen‘ Bond von 1962 eingeht. Fast scheint es so, als hätte 007 nach einer inneren Läuterung (tatsächlich auf inhaltlicher Ebene) und einer deutlichen Verwirrung (wie u.a. dem Vorgänger Ein Quantum Trost oder dem sonst formidablen, aber etwas zu ‚Bourne‘-lastigen Casino Royale) nun endlich sein eigenes Selbstbewusstsein und seine ureigene Stilsicherheit (wieder)gefunden.

Wobei, diese von allem losgelöste popkulturelle Meta-Figur war ja schon immer ein virtuelles Chamäleon der Moderne, also bitte nicht zu ernst nehmen, den Charme an den richtigen Stellen erkennen und sich gerne bei ein wenig Quatsch zwischendurch schuldlos unterhalten fühlen. Ja, Bond macht endlich wieder richtig Spaß, nicht zuletzt wenn man sich als Kenner am ausladenden Zitaten-Reigen zu erfreuen weiß. Auch und besonders weil nun etwas Ambivalenz hinzu gekommen ist. Eine gewisse Gebrochenheit, Verlorenheit und deutliche Skrupellosigkeit neben all seinem Macho-Gehabe ist nun auch vorhanden. Alter und Verletzlichkeit lassen sich selbst bei einer Figur wie dieser nicht ewig leugnen. Und der psychopathische Gegenspieler hat hier durchaus menschliche, ja sympathische Züge, wobei ein wenig versteckt freilich.

“What did you expect, an exploding pen?”

Nobody is perfect, except…

Mit etwas kritischem Auge macht einen der neue Bond doch nicht vollkommen glücklich. Phasenweise holpert es ein bisschen im Drehbuch und die innere Logik wird manchmal auch etwas zu viel gebogen. Kleinere Längen zwischendurch bremsen den ansonsten sehr gelungenen Rhythmus. Merklich störend empfand ich besonders den finalen Umgang mit dem Bond-Girl Sévérine, nicht zuletzt weil die Darstellerin Bérénice Marlohe wirklich zu überzeugen wusste. Hier hätte man gerne mal mit einer gewissen Tradition durchaus brechen können.

Zwei darstellerische Leistungen müssen aber freilich noch erwähnt werden: erstmals Javier Bardem, der hier als Raoul Silva einen der erinnerungswürdigsten Fieslinge der gesamten Reihe verkörpert. Sehnsucht nach der verlorenen Unschuld zeigt er genauso wie berechnenden Irrsinn. Beides vereint spielt er auf seine eigenwillige Weise mühelos vor der Kamera. Außerdem darf er an Bonds ansonsten unzweifelhafter Heterosexualität ein wenig ankratzen, was natürlich zu eine der witzigeren Szenen führt.

Und Daniel Craig hat für mich inzwischen die Qualitäten eines Sean Connery zu seinen besten Bond-Zeiten erreicht. Dieser Eindruck entsteht nicht nur aufgrund seiner physischen (respektive gealterten) Präsenz, sondern auch wegen des dezent zurückhaltenden Schauspiels, bei dem sich die großen Emotionen im subtilen Mienenspiel verbergen und dabei das richtige Maß an englischem Charme nicht zu kurz kommt. In Skyfall hat Craig seine Vervollkommnung von 007 erreicht und damit Anschluss an die Granden Connery und Moore erlangt. Noch ein, zwei feine Filme mehr und der Fan darf sich an einer neuen Bond-Ikone erfreuen.

“What do you say about a man like that?”

“If I kill you, your other sons will come and seek revenge?”

Wer Wind sät, wird Sturm ernten

Das letzte Mal war Paris Schauplatz der Inszenierung. Bei der Fortsetzung entschied man sich für Istanbul. Der Film beginnt zunächst mit Szenen, die die albanische Familie der im ersten Teil in Paris getöteten Männer zeigt. Die männlichen Vertreter schwören Rache an dem Mörder ihrer Söhne und Brüder zu nehmen. Nach diesem Auftakt verlagert sich die Handlung nach Amerika – vermutlich einige Zeit nach der spektakulären Rettungsaktion. Liam Neeson (Battleship, The Dark Knight Rises) gibt erneut Bryan Mills, den Ex-Agent und Freizeit-Zwangsneurotiker, welcher immer noch um ein Stück Normalität in seinem Leben kämpft und sich beispielsweise penibel an die Verabredung zum Fahrtraining mit seiner Tochter Kim (Maggie Grace) hält. Der Teenager hat allerdings längst nicht nur den lang ersehnten Führerschein im Kopf, sondern beschäftigt sich viel lieber mit ihrem neuen Freund – sehr zum Leidwesen ihres Vaters. Und um den Reigen der Widrigkeiten des Lebens perfekt zu machen, lässt sich der zweiten Ehemann von Bryans Ex-Frau Lenore (Famke Janssen) gerade von ihr scheiden. Bryan, der beruflich als Sicherheitsexperte nach Istanbul reisen muss, lädt Lenore und Kim daher kurzerhand ein, ihn nach seinen beruflichen Verpflichtungen dort zu treffen, um ein paar Tage gemeinsam auszuspannen. Doch stattdessen treten nun die anfangs erwähnten Albaner auf den Plan. Sie entführen Bryan und Lenore – das Unheil nimmt seinen Lauf…

“Listen to me carefully, Kim. Your mother; is going to be taken. And people are gonna come for you to.”

Auge um Auge, Zahn um Zahn

Für den zweiten Teil konnten erneut alle erwähnenswerten Schauspieler des ersten Teils gewonnen werden. Rade Šerbedžija (Batman Begins, Shooter) spielt Murad Hoxha, das Oberhaupt der albanischen Familie und somit mehr oder weniger den Antagonisten. Das Drehbuch wurde, ebenfalls wie beim ersten Teil, von Robert Mark Kamen (Transporter 2 u. 3, Colombiana) und dem berühmten Regisseur Luc Besson (Léon – Der Profi, Das fünfte Element) beigesteuert. Besson übernahm auch gleichzeitig die Produktion. Als Regisseur konnte man Oliver Megaton (Transporter 3, Colombiana) verpflichten. Die „Macher“ haben demnach schon öfter zusammen gearbeitet, was meines Erachtens immer auf eine höhere Qualität hoffen lässt.

“My turn.”

Wer andern eine Grube gräbt, fällt selbst hinein

Grundsätzlich vereint 96 Hours – Taken 2 alle Ansätze für einen guten Actionfilm – es wird geschossen, getötet und gefoltert. Es gibt Verfolgungsjagden, spektakuläre Stunts und selbstverständlich einen Showdown am Ende. Dennoch verläuft der Film insgesamt zu sehr nach Schema F. Natürlich impliziert schon der Titel, dass es erneut eine Entführung geben wird. Natürlich erwartet man von einer Fortsetzung heutzutage kaum Neues und Einfallsreiches. Das ist aber ein generelles Problem der Branche und haftet nicht nur 96 Hours – Taken 2 an. Trotzdem hatte ich mir nach dem sehr guten Erstling mehr erhofft. Einzig allein Liam Neeson kann durch seine Spielkunst hervorstechen. Ansonsten plätschert, wenn man das von einem Actionfilm sagen kann, das Geschehen an einem vorbei ohne wirklich Fahrt aufzunehmen. Die albanische Familie und vor allem deren Oberhaupt und Gegenspieler von Neeson bleiben blass und für den Zuschauer meist undurchsichtig. Hinzu kommen noch zum Teil hanebüchene Logiklücken, die jedweder Lebensrealität widersprechen, und Dialoge, die mitunter zum Reißausnehmen sind. Bei einem ansonsten starken Film sieht man darüber hinweg, bei diesem leider nicht.

“What are you gonna do? – What I do best.”

Der bekannteste deutsche Produzent Bernd Eichinger (Der Untergang, Das Parfum), der 2011 verschied, war schließlich federführend für die erste Adaption, die mit dem gleichnamigen Titel 2002 in die Kinos kam. Paul W. S. Anderson (Mortal Kombat, Alien vs. Predator) konnte als Regisseur gewonnen werden und die Hauptrolle übernahm das serbisch-russische Supermodel Milla Jovovich, die sich über die Jahre in Filmen wie Das Fünfte Element (1997) oder Ultraviolet (2005) als Schauspielerin in Europa und Hollywood etablieren konnte.

Tatsächlich war der Erfolg von Resident Evil so groß, dass diverse Fortsetzungen produziert werden mussten, die sich großteils nur noch lose an die Game-Vorlage halten: Resident Evil: Apocalypse (2004), Resident Evil: Extinction (2007) und Resident Evil: Afterlife (2010). Frau Jovovich alias Alice bekämpft in allen Teilen gegen die so korrupte wie bösartige Umbrella Corporation, die mit dem von ihnen geschaffenen T-Virus den Großteil der Weltbevölkerung in eine mutierende Zombie-Horde verwandelt hat.

Mit Resident Evil: Retribution folgt nun die von den Fans (deren Zahl nicht allzu groß ist, wie ich hoffe) sehnsüchtig erwartete Fortführung der Saga, die wiederum direkt an das Finale des Vorgängers anschließt. Natürlich ist Frau Jovovich erneut in der Hauptrolle zu sehen und ihr inzwischen angetrauter Ehemann Herr Anderson führt wiederholt Regie, in diesem belanglosesten und überflüssigsten Machwerk, das ich je gesehen habe…

“Sweet ride.”

Ein Film, der nichts hat,…

An dieser Stelle versuche ich in alter Tradition kurz den Inhalt des von mir begutachteten Films in knappen Worten zu erläutern. Ich will dies hiermit auch gerne tun: junge Frauen in knappen Outfits metzeln sich durch Zombie-Horden. Sie bewegen sich dabei von Örtlichkeit A nach Örtlichkeit B und dann nach Örtlichkeit C. Zwischendurch sterben ein paar Männer, die ihnen helfen wollen. Klone kommen auch vor. Viele Klone. Aber noch mehr Zombies. Auch mutierte Zombies. Am Schluss bekämpfen sich die Frauen in knappen Outfits. Das war’s. Mehr passiert nicht.

“What?”

…der nichts kann…

Ich habe, soweit ich zurückdenken kann, noch nie einen solchen vollkommen belanglosen Film gesehen, der an Irrelevanz und Plattheit praktisch unüberbietbar scheint. Hier gibt es keine einzige originelle Idee, keinerlei auch nur irgendwie erwähnenswerte Handlung, keine einzige gewitzte Dialogzeile, keine einzige interessante Figur und keine einzige Szene, die man nicht irgendwo schon einmal und noch dazu besser gesehen hätte.

Alles wirkt vollkommen austauschbar und beliebig. Dies geht in geradezu symptomatischer Weise soweit, dass die Schauplätze in der Filmlogik selbst nur noch Staffage, bloße Kulisse geworden sind, die einfach nur dazu dienen um die knapp bekleideten Frauen vor anderen Hintergründen die Zombies niedermetzeln zu lassen. Tatsächlich sind ebenso viele der Hauptfiguren völlig ersetzbar, da sie als Klone auftreten, die je nach Notwendigkeit des Drehbuchs anders motiviert sind. Weil die gesamte Geschichte zudem durchgehend vorhersehbar ist, kann Resident Evil: Retribution zu keinem Zeitpunkt auch nur den Ansatz eines Spannungsbogens aufbauen. Natürlich gibt es bemühte Schock-Effekte und ein paar kaum glaubhafte Versuche von Plot-Twists, aber selbst die genre-spezifischen Splatter-Momente wirken erschreckend unspektakulär. Keine Spur von Horror, nur zunehmende Langeweile, die einen beinahe einschlafen lässt, was durchaus eine erstaunliche Leistung für diese Art von Film ist.

Und selbst wenn man sich noch so bemüht, nicht nachzudenken über das Dargebotene und das Gehirn auf Durchzug schaltet, so wird man dennoch auf merkliche Weise immer wieder daran erinnert, dass der Autor (Paul W. S. Anderson himself) auf jegliche Logik oder Glaubwürdigkeit pfeift und darauf baut, dass das Publikum wirklich jede Dämlichkeit protestlos zu fressen vermag.

Ich weiß gerade nicht, ob ‚egal‘ einen Superlativ hat, aber für Resident Evil: Retribution ist er für die Rezeption in jedem Fall ausnahmslos anzuwenden.

“My name is Alice, and this is my world.”

…und nichts ist.

Ich hatte dereinst den Eindruck, Milla Jovovich wäre eine zumindest passable Schauspielerin. Das ist sie nicht. Zumindest nicht nach der Leistung. Fast 96 Filmminuten den gleichen Gesichtsausdruck beizubehalten ist keine Leistung. Aber damit reiht sie sich sehr gut in den Rest des vergessenswerten Casts ein. Lediglich Michelle Rodriguez soll kurz erwähnt werden, die man ja doch aus der Serie Lost (2004-2010), Avatar – Aufbruch nach Pandora (2009) oder Machete (2010) kennen dürfte. Wobei man wohl fairerweise sagen muss, dass selbst der verdienteste Oscar-Preisträger bei einem solchen Drehbuch nur auf ganzer Linie zu verlieren vermag.

Man könnte noch erwähnen, dass zumindest das Produktionsdesign samt den Effekten und dergleichen halbwegs ordentlich gelungen ist, aber andererseits bedarf es wohl nicht viel einige blass geschminkte Statisten vor dem Greenscreen rumhampeln zu lassen und nachträglich die computergenerierte Kulisse einzukleben. In 3D soll Resident Evil: Retribution angeblich sein. Das merkt man wirklich nur bei der Eröffnungssequenz, die allerdings wiederum das Finale des Vorgängers ist und dafür dürften die Macher schlicht genug Zeit für eine ordentliche Nachbearbeitung gehabt haben.

PS: Immerhin wissen wir nun, dass es neben Nazi-Zombies auch Kommunisten-Zombies gibt. Welch ein wertvoller Beitrag für das Zombie-Genre!